Espacio para compartir preguntas, ideas, experiencias, dudas, imágenes y... Actualidad cultural y temas acerca de la educación y la psicopedagogía, epistemología, constructivismo, el humor, las artes: música, cine, teatro, ciencia, pintura, arte oriental, shodo (caligrafía), sumi-e (acuarela japonesa), y el budismo zen, el taoismo, chi kung, la jardinería. Y cosas que me duelen o me asombran. Valoraremos el silencio. Escribiremos y leeremos entre líneas, en la frontera entre unas cosas y otras.
El espíritu del viajero, curioso y con un buen paladar para disfrutar de los nuevos aromas, de las costumbres más sorprendentes. Ese es el ánimo que inunda el blog de Amparo y Juan.
Desde aquí mi homenaje a ellos y a todos los que nos contamos entre sus seres queridos. Cito este texto de una de sus entradas:
"Un colibrí nos visita cada mañana en el patio. Aparece y desaparece como una ilusión volátil, de flor en flor, de rincón en rincón. Si por un instante se quedara quieto... pero no, así está bien, ya que provoca en el alma tal alegría, que mejor no dure, porque cuando se va deja los sentidos exhaustos. Adiós colibrí. Si un día te cogemos... qué haremos contigo? Adióscolibríes." Aclaración del publicador: Ninguno de los animales que se muestran en estas fotos es el colibrí
Me traslado de ninguna parte a ningún sitio. "Partiendo de la nada hemos alcanzado las más altas cimas de la miseria."Marx, Groucho Marx
Me estoy mudando.
Cuando consiga tener un acceso a internet y lo demás, continuaré con el Cajoncillo de sastrillo o desastrecillo. Desastre es el que genera acumular libros y demás objetos durante décadas y ahora tener todos los naipes barajados por completo. Pronto haremos magia y saldrán los 4 ases, reyes, reinas, sotas... todos organizados.
Mi nueva casa está en "Sant Vicent del Raspeig" -----> "Sequet pero sanet"
Exposición de pinturas figurativas: 'ENCUENTROS Y PÉRDIDAS' de Pepe Devesa
Pepe Devesa nos regala una nueva muestra de su obra. Su mirada, auténtica y poderosa, dignifica y embellece el mundo. El que quiera comprobarlo, que acuda a la exposición que dentro de unos días se abrirá en Valencia.
Para abrir boca podéis acudir con este vínculo y asomaros a la ventanita fotográfica con algunas muestras:
También se proyectara un vídeo con "performances" realizadas desde 1987 al 2000...
Esta es la magia del arte efímero. Acciones artísticas, casi siempre afortunadamente provocadoras, que te llaman desde fuera, que te cuestionan tus esquemitas de andar por casa, que se rebelan contra el "sentido común".
Acciones, performances, hapenings. La máxima entrega, el todo y la nada. Recuerdo una en la que yo,día de inauguración, filmaba la llegada de la gente a un precioso palacio, con su claustro, dos pisos con bonitos arcos. Yo, en el de arriba cámara al ojo y veo al artista desnudándose, quitandose el mono de trabajo... Naturalmente baje a toda prisa para tomar de cerca la cosa y vi como sobre un cuadro hermoso, como siempre repleto de detalles preciosos y precisos, Emilio Devesa, ahora Pepe, depositaba sobre él sus ropas, acto seguido y seguido por la gente, lo ató con una buena maroma lo lió y tiró de él y así, lo arrastró todo hasta la calle y allí con un soplete calcinó la ropa, dejando una marca, una gran mancha marrón sobre aquella pintura. ¡Oh!
PeterBrook y el espacio vacio "... El happening es un invento formidable que destruye de un golpe muchas formas muertas, por ejemplo lo que de lóbrego tienen las salas teatrales, los adornos sin encanto del telón, las acomodadoras, el guardarropa, el programa, el bar. El happening puede darse en cualquier sitio, en cualquier momento, sin importar la duración que tenga: nada se requiere, nada es tabú. El happening puede ser espontáneo, ceremonioso, anárquico, puede generar intoxicadora energía. El happening lleva consigo el grito de «¡Despierta!». Van Gogh ha hecho ver la Provenza con nuevos ojos a generaciones de viajeros, y la teoría de los happenings es que se puede llegar a sacudir al espectador de tal manera que vea con nuevos ojos, que despierte a la vida que le rodea. Esto parece sensato, y en los happenings la influencia del zen y del popart se unen para crear una combinación norteamericana del siglo XX perfectamente lógica. Pero hay que ver la tristeza que produce un mal happening para creerlo. Dad a un niño una caja de pinturas; si mezcla todos los colores el resultado será siempre el mismo gris-pardusco barroso. El happening es siempre el producto infantil de alguien e inevitablemente refleja el nivel de su inventor: si es el trabajo de un grupo, refleja los recursos internos de dicho grupo. Con frecuencia esta forma libre queda por completo encerrada en los mismos símbolos obsesivos: harina, pasteles de nata, rollos de papel, la acción de vestirse, desnudarse, endomingarse, volverse a desnudar, cambiarse de ropa, hacer aguas, tirar agua, soplar agua, abrazarse, rodar, retorcerse. Se tiene la impresión de que si el happenig pasara a ser una forma de vida, por contraste, la más monótona existencia parecería un fantástico happening. Resulta muy fácil que un happening no sea más que una serie de suaves conmociones seguidas de relajaciones que se combinan progresivamente para neutralizar las posteriores conmociones antes de que lleguen. O también que el frenesí de quien provoca la conmoción intimide al conmocionado hasta convertirlo en otra forma de público mortal: el paciente comienza con buen ánimo y cae en la apatía tras el asalto. La verdad es sencillamente que los happenings han dado cuerpo no a las formas más fáciles, sino a las más exigentes. Al igual que las conmociones y sorpresas hacen mella en los reflejos del espectador, de modo que repentinamente queda más abierto, más alerta, más despierto, la posibilidad y la responsabilidad aumentan tanto en el espectador como en el intérprete. El instante ha de aprovecharse, pero cabe preguntarse cómo y para qué. Aquí volvemos a la cuestión primordial, es decir, qué es lo que estamos buscando. El happening es una nueva escoba de gran eficacia: indudablemente arrastra la basura, pero al tiempo que despeja el camino vuelve a oírse el viejo diálogo, el debate entre la forma y la carencia de forma, entre libertad y disciplina; dialéctica que se remonta a Pitágoras, que fue el primero en oponer los términos de Límite e Ilimitado. Es muy útil usar migajas de zen para afirmar el principio de que la existencia es la existencia, que cada manifestación contiene en sí todo, y que una bofetada, un pellizco en la nariz o un pastel de crema representan por igual a Buda. Todas las religiones afirman que lo invisible es siempre visible. Aquí radica la dificultad. La enseñanza religiosa, incluido el zen, afirma que este visibleinvisible no puede observarse automáticamente, sino que sólo se puede ver dadas ciertas condiciones, que cabe relacionar con ciertos estados de ánimo o cierta comprensión. En cualquier caso, comprender la visibilidad de lo invisible es tarea de una vida. El arte sagrado es una ayuda a esto, y así llegamos a una definición del teatro sagrado. Un teatro sagrado no sólo muestra lo invisible, sino que también ofrece las condiciones que hacen posible su percepción. El happening pudiera relacionarse con todo esto, pero la actual falta de adecuación del happening reside en que se niega a examinar en profundidad el problema de la percepción. Cree ingenuamente que el grito « ¡Despierta!» es suficiente, que el simple«¡Vive!»trae la vida. Está claro que se necesita algo más. Pero ¿qué más? En su origen, el happening intentaba ser la creación de un pintor que, en vez de pintura y tela, cola y serrín, u objetos sólidos, empleara personas para lograr ciertas relaciones y formas. Al igual que un cuadro, el happening intenta ser un nuevo objeto, una nueva construcción introducida en el mundo, para enriquecer al mundo, para añadirse a la Naturaleza, para afincarse en la vida cotidiana..."
EL ESPACIO VACÍO ARTE Y TÉCNICA DEL TEATRO
BROOK, Peter.
Ed. Nexos, Barcelona 1994. (Pags 69-77).
"Encuentros y pérdidas. Devesareturns… La cosa podría ser así: de aquellos polvos vinieron estos lodos. Me refiero a la mezcla entreverada de pigmentos y pintura, de personajes y vivencias, de amores y sexo. Todas estas cosas —me atrevería a decir que siempre— han estado en la base en la obra de Pepe (antes Emilio) Devesa, un artista polifacético, auténtico, pintor exuberante y performer radical, que en los últimos años ha desarrollado su actividad en el circuito underground de Barcelona. Ahora vuelve a Valencia, donde no exponía desde hace una década (allí donde se "purgaban" almas como la suya y las de Óscar Mora o ChemaLópez), para mostrar los cuadros vividos y pintados en la misma galería, entonces PostPos, donde ya expuso en 1994. La pintura de Devesa es tremendamente autobiográfica y así se despliega en esta recopilación de sus últimas andanzas, las mismas que le llevaron a las kedadas de osos a finales de los noventa. Así, desde que pasara a formar parte de la comunidad, uno más en el abrazo del oso, ha adoptado como modelo a esos tipos corpulentos, peludos y gays, cuya estética enraiza en el San Francisco de los años ochenta. Uno más, no ha dejado de hacer el oso, de galantear, de cortejar sin reparo ni disimulo, por lo que no es de extrañar que en cada cuadro nos encontremos con una historia, con hechos, relaciones y retratos de grupo. Siempre retratos. Aquí está esa manada osuna que responde a un modelo de belleza masculina de cuerpos estupendos, exaltados, ostentosos, lujosos (y el sufijo denota abundancia, añade un significado activo que intensifica el valor adjetivo) que esgrimen la intensidad de su físico y reivindican su atractivo en cada cuadro. La pasión por la figura, ese modelo; la sugerencia del cuerpo, su textura al tacto, el nudo desnudo… Todo se multiplica en la manera de aprovechar las vetas de la madera (en ocasiones virgen) convirtiéndolas en una suerte de epidermis de la pintura, con tanto vello. Casi todo en los cuadros de Pepe Devesa es sensual, erótico muchas veces, insistiendo en los dominios del placer del tacto: ese acercarse a la tersura de la piel en las veladuras, ese mostrarse desnuda y aparentemente desprovista de cualquier apoyo, de nada que no sea ella misma. La importancia del tacto visual, de tanto cuerpo desnudo, subraya la irremediable necesidad de tocar, de palpar allí donde un pecho se dibuja o se decora con vello real —como aquel corazón peludo de mediados de los noventa—; allí donde en otro pecho descubrimos las puntas amenazantes de unos clavos que atraviesan el soporte. El personal valor simbólico condensado en estos elementos reales o representados (unos cuernos, unas llamitas, el fondo de un mapa dorado, una careta, mil mariposas, un colmillo retorcido, una manzana mordida… entre la metáfora y el exorcismo) se complementa con una manera de narrar en imágenes que recuerda la pintura medieval por esa acumulación de personajes y escenas, por la composición en collage de distintos momentos sobre el mismo plano. Además, en el laberinto de las tentaciones, las figuras defienden un dibujo muy cuidado, perfilado y pirograbado, trabajado por capas, que después se va rodeando por todos esos elementos narrativos, incluso hasta el marco, sus trabajados marcos. El particular barroquismo de Devesa, un horror vacui que resulta marca de la casa, hace que los cuadros se desborden como queriendo superar sus márgenes, como proyectándose en la misma realidad de la que son reflejo, para insistir en su continuidad. Incluso entre ellos. Por eso, cada cuadro es como una cicatriz, como un "siempre hay esperanza" tatuado en el brazo. Ese es el camino del amor, una accademia del piacere e del dolore, allí donde se mezclan desde el principio esperanzas e ilusiones, encuentros y pérdidas. La cosa es que Devesa regresa con un autorretrato bajo el brazo, a sabiendas de que el suyo es —como escribió Nilo Casares hace más de diez años— el lado deportivo del amor. Añado: concentrado en la divisa, en esa suerte de logotipo de un corazón cuyas arterias y venas se convirtieron, se transformaron en penes. Eso es la distancia del amor, el mismo con el que se arma de valor para plantarle al frente el espejo (los cuadros) a una Medusa de penes, tantas Gorgonas de pollas." Ricardo Forriols
Meditación masiva. Campo cósmico (Registros Akásicos)
Publico y comparto este mensaje de mi hermana por si un nudo más ayuda.
Interesante enfoque el que plantea la interconexión, interdependencia, o como dice Thich Nhat Hanh el INTERSER. Todos estos conceptos son actualizados por los descubrimientos de la física moderna. Ahora tengo que dejarlo pero más adelante anotaré algunas ideas sobre el "campo cosmico" y los registros Akásicos.
"Por si os animáis, corazones. Muchos corazones un gran fuego trasmutador.
Gran abrazo. ANTONIA."
MEDITACION MASIVA ESPAÑA Domingo 18 de Mayo a las 18’30h
Queridos amigos, Una vez más los meditadores de todas las técnicas nos reuniremos con la finalidad de compartir una meditación grupal para crear un fuerte efecto de trascendencia que llegue a todo el mundo. Esta vez la convocatoria va ligada a la que anualmente convoca el Club de Budapest y la Baykko Shinto-Kai El evento de partida de esta Celebración Global es la “Sinfonía de Oraciones de Paz”, encuentro interreligioso anual que se realiza desde el año 2005 en el Santuario del Monte Fuji, Japón, con una participación multitudinaria. En el 2007 alrededor de 12.000 personas se reunieron en el Campo de Oración de Fuji y más de 1.000.000 de personas se unieron en todo el mundo a esta intención de Paz.
Uno de los objetivos es alcanzar una masa crítica de meditadores que unidos en un mismo momento provoque un fuerte cambio positivo y genere un gran salto en la conciencia colectiva. Para ello pretendemos aprovechar la potencia que significa la meditación grupal. Estas son iniciativas de meditación global jamás realizadas uniendo diferentes credos, culturas e ideologías por la Paz en el Planeta, la buena voluntad entre sus habitantes y la forma de restablecer la armonía con la Naturaleza. No te quedes afuera, es una gran oportunidad para nuestro querido Planeta y para todos nosotros
-¿Qué se entiende por campo akásico? -Durante miles de años los videntes y místicos de diversas tradiciones han sostenido que todo lo que existe en el Universo está unido de alguna manera y que la totalidad de la información existente se mantiene, se conserva, en algo que ha recibido varios nombres, pero los de campo o registros akásicos serían los más conocidos. Un sabio chino, Chiang Tzu, escribió hace miles de años "El cielo, la Tierra y yo vivimos juntos y todas las cosas formamos una unidad indisoluble". Los últimos avances científicos están apoyando la existencia de este campo cósmico de interconexión, que conserva y transmite la información. ALGUNAS EVIDENCIAS DEL CAMPO COSMICO -¿Cuáles serían las pruebas científicas de este campo cósmico que relaciona todo el Universo? La física cuántica y la biología evolutiva apuntan a la existencia de un campo cósmico de interconexión. Diversos experimentos indican la existencia de una subestructura en el vacío cósmico. Por ejemplo, están los trabajos de Vladimir Poponin, del Instituto de Física bioquímica de La Academia de Ciencias Rusa, que encontró la existencia de las llamadas ondas de torsión fantasma al determinar que el campo electromagnético específico de una molécula de ADN expuesta a un rayo láser permanecía incluso después de que esa molécula fuese retirada. También tenemos el llamado enmarañamiento cuántico, la relación que se establece entre partículas que han ocupado alguna vez el mismo nivel cuántico, y que están ya siempre relacionadas, aunque se encuentren separadas por grandes distancias. La biofísica también apunta numerosos indicios de la existencia de este campo de información. Las relaciones de los genes, de las células y de organismos y especies con su entorno parecen asimismo estar influidas por un campo de información. –
La ciencia y el campo akasico de Ervin Laszlo por Miguel Seguí Publicado por la revista Más Allá de la Ciencia numero 189.
LA HISTORIA DE UNA MADRE SOLAR Y UNA HIJA ECLIPSADA, ACOMPAÑADOS DE UN MARIDO SILENCIOSO, QUE AMA, NO ME EXPLICO DESDE DONDE (¿DESDE LA FE?) CON UN AMOR, CONDENADO A NO SER CREIDO, POR UNA MUJER OSCURECIDA QUE NO SE CREE DIGNA Y POR SU HERMANA GRAVEMENTE ENFERMA Y QUE SIN EMBARGO SE COMUNICA DESDE SU PRISIÓN CORPORAL MEJOR QUE NINGUNO DE LOS OTROS. Una obra escalofriante que me dejó seco en la butaca. Tuve todo el tiempo la sensación de que el texto me resultaba familiar, seguramente por la película que vi hace muchos años y también probablemente por mi propia película. El tema, las relaciones materno filiales, especialmente las de madre e hija. Una vez más fue muy emocionante y todos estuvieron muy bien, aunque, como es lógico todo el mundo destaca a Marisa Paredes (la madre concertista de piano) aunque Nuria Gallardo (la hija pianista "regulera") no estuvo mal... ¡es como en la obra!. Hay tanta realidad en esta pieza de ficción teatral que asusta, acongoja y te empuja directamente hacia tu abismo interior. Como referencia dejo estos dos fragmentos de su estreno en Bilbao, aunque nosotros la vimos sentaditos en la segunda fila del Teatro Principal de Alicante, por esta vez y sin que sirva de precedente Mª José lloró más que yo.
Marisa Paredes regresa al escenario del Arriaga con la obra «Sonata de Otoño» Dos años después de actuar en Bilbo con «Hamlet», la actriz encabeza el reparto de la adaptación que José Carlos Plaza ha hecho de la película de Ingmar Bergman. Estará hasta el sábado en la capital vizcaina. GARA BILBO Después de actuar en «Hamlet» en 2006, Marisa Paredes regresa al Teatro Arriaga encabezando el reparto de «Sonata de Otoño», obra en la que también actúan Nuria Gallardo, Chema Muñoz y Pilar Gil. Estrenada en Avilés el pasado 8 de abril, «Sonata de otoño» se representó ayer en Bilbo por primera vez y permanecerá en cartel hasta el 19 de abril, en funciones diarias a las ocho de la tarde. José Carlos Plaza dirige la adaptación teatral de la película de Ingmar Bergman, versión que ha escrito junto a Manuel Calzada. Liv Ullmann e Ingrid Bergman coprotagonizaron en la gran pantalla esta película estrenada en 1978. La versión teatral cuenta con un destacado reparto y un equipo de profesionales que pondrán en escena la dura relación entre una madre y sus dos hijas. En su última actuación en Bilbo, Marisa Paredes daba vida a la madre de Hamlet en una producción del Arriaga protagonizada por Eduard Fernández y dirigida por Lluís Pasqual, que le supuso el Premio Fotogramas a la mejor actriz teatral. Una producción «muy cara» que muchos teatros «no pudieron asumir», según las declaraciones que hizo la actriz hace unos días en Avilés, con motivo del estreno de «Sonata de Otoño». Madre ausente En esta obra, Paredes interpreta a Charlotte, una famosa pianista que se refugia en su carrera profesional dejando de lado a sus dos hijas, a las que no ve desde hace 7 años. Una de sus hijas decide invitar a su madre a pasar unos días en su casa. Allí vive también su otra hija, que sufre una enfermedad mental que ha ido dejándola casi inmóvil y sin habla. La madre no ha visto a sus hijas por puro egoísmo, es una pianista famosa con miedo al compromiso y tiene en su carrera la excusa perfecta para no estar nunca en casa. «Sonata de otoño» habla así de una vida de éxito profesional que es un completo desastre en su faceta humana, sin casi sentimientos y siempre intentando huir. Marisa Paredes confesó sentir «miedo» ante su vuelta al teatro tras varios años sin subirse a los escenarios. «Cuando una está catorce años sin subirse a un escenario, impone mucho, no es como el cine, que te permite repetir y tienes que mantener una verdad distinta», afirmó en la ciudad asturiana. Para ella, «Sonata de Otoño» es su vuelta real a los escenarios «con un personaje muy fuerte». Paredes declaró en la rueda de prensa que dio en Avilés que no recibió «prácticamente ningún proyecto» de trabajo durante su etapa como presidenta de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas entre 2000 y 2003 de la que recuerda con especial «interés» la respuesta del gremio contra la guerra de Irak, que le pareció «lo más estimulante y eficaz». Y eso que después de la gala de los Goya de 2003 «llegaron a pedir mi cabeza». Paredes, que se dio a conocer a nivel internacional de la mano del director de cine Pedro Almodóvar, calificó de «difícil» el montaje de «Sonata de Otoño» al tratarse, según José Carlos Plaza, de «una obra de actores». El director declaró que en esta obra aparecen los personajes «más descarnados» con los que ha trabajado nunca: «Es una biopsia de alma». La apariencia simplista del argumento «no es real» y permite mostrar «el alma» de los cuatro personajes que conforman esta familia de ficción, con serias dificultades para comunicarse entre ellos, según explicó Plaza. En «Sonata de Otoño» actúa la actriz vasca Pilar Gil, curtida en televisión, cine y publicidad, sobre todo, y que ha actuado en obras de teatro como «Despobladores» (2007) y «Oráculo a medias» (2003). Ficha Título: «Sonata de Otoño». Autor: Ingmar Bergman. Director: José Carlos Plaza. Intérpretes: Marisa Paredes, Pilar Gil, Nuria Gallardo, Chema Muñoz. Producción: Pentación. Lugar y fecha: Teatro Arriaga. Del 15 al 19 de abril (20 horas). Precios: Entre 5,60 y 21 euros
http://www.gara.net/paperezkoa/20080416/73054/es/Marisa-Paredes-regresa-escenario-Arriaga-obra-Sonata-Otono «Paradójicamente la única capaz de expresar sus sentimientos a pesar de que la discapacidad la impide hablar es Helena, porque es la única que no está enferma emocionalmente», comenta Gil. Por su parte, Muñoz representa la impotencia de quien no puede aportar nada a la solución del conflicto y queda al margen. «Hablo poco porque así lo quiso Bergman», bromeó. «Es una historia de mujeres que pensé poco atractiva desde el punto de vista masculino, pero me equivoqué. Lo que también observo en las butacas es que es una obra dura pero la gente se queda clavada hasta el fin, estupefacta con lo que pasa encima del escenario». Identificada. Marisa Paredes regresa a Bilbao, dos años después de su intervención en 'Hamlet', para interpretar un personaje con el que dijo sentirse identificada. «Conozco lo que son las largas ausencias, incluso saliendo del país por trabajo mientras dejas a una hija en casa. Hay que saber encontrar la manera de hacer tu vida sin dejar de ser una artista», sentenció. http://www.elcorreodigital.com/vizcaya/20080416/cultura/marisa-paredes-nuria-gallardo-20080416.html
Que alegría, tener en la "Lonja de Pescado" esta muestra de talento y armonía. Este enlace os mandará a la entrada que dediqué al CHILLIDA LEKU.
"No se ve sino lo que se tiene ya dentro del ojo. La simetría es la seguridad, y ésta está muy cerca de la muerte." ESCRITOS. Eduardo chillida. Editorial "LA FABRICA" (Biblioteca BlowUp ARTE)http://www.eduardo-chillida.com/Tienda.15.0.html
Chillida, en Alicante LA VERDAD GRAN ANGULAR24.04.2008 - EDUARDO LASTRES En las jornadas previas a la inauguración del Museo de la Asegurada, en 1977, nos encontrábamos, colgando los últimos cuadros de la colección que le daría origen, el alcalde Ambrosio Luciáñez, Paco Pastor y Gonzalo Fortea, de la Galería Italia, éste que escribe y Eusebio Sempere, que nos comentó con emoción que en la inauguración estarían, salvo Tápies, todos los representados en el Museo, entre ellos, Eduardo Chillida (1925-2004), seguramente el artista más famoso en ese momento. Ese día me lo presentó como un entrañable amigo, al que llamaba, en la intimidad, el Chillidón. Una gran amistad unía a Sempere con el escultor vasco. Juntos habían afrontado una agria discusión por la escultura de Chillida Lugar de Encuentros o La Sirena Varada, como fue conocida popularmente, con el alcalde de Madrid, Arias Navarro, en la creación del famoso parque de esculturas en la Castellana, que gestó y dirigió Eusebio Sempere. Pasados más de treinta años desde aquel evento, hoy podemos ver en Alicante la obra de Chillida, aunque ya, en 1996, hubo una pequeña muestra en la Sala Aifos de la Universidad de Alicante, con motivo de su nombramiento doctor Honoris Causa por esta Universidad. Esta muestra en la Lonja del Pescado tiene mayor entidad y está localizada en el marco más brillante de la ciudad. En ella podemos ver la calidad de este gran escultor, punta de lanza del arte español durante décadas. La Caixa, en colaboración con el Museo Chillida-Leku, nos trae una visión de los últimos veinte años de la vida de Chillida. No cabe duda de que la obra de este artista está y estará muchos años en nuestra historia del arte como una de las representantes de la abstracción que más ha influido universalmente en este campo. Pero la decisión de la creación del Museo Fundación Chillida-Leku en Hernani, San Sebastián, es ya uno de esos actos fundamentales e imprescindibles para que la obra de un artista se asiente en la memoria colectiva y no decaiga su interés con el paso de los años y la premura de las últimas tendencias.La fuerza con que la obra de Chillida se proyecta en nuestros días se debe al acceso y conocimiento que tenemos de ella. Y esto se debe fundamentalmente a la exquisita labor de su viuda, Pilar Belzunce, y de sus hijos, que han sabido programar actos en distintos marcos nacionales y extranjeros para promover el conocimiento de la obra de este gran artista. Sin duda, la visión que dirige esta gestión es importantísima, y más cuando se hace, como en este caso, desde la inteligencia y el amor, para conseguir que el valor indudable de esta obra no se pierda simplemente por desconocimiento. Abel Martín, el compañero de Sempere y depositario de su obra, dedicaba su vida a promover el conocimiento de la creación artística y el interés por el lenguaje plástico del artista alicantino. Pero su pronta muerte le negó la posibilidad de seguir realizando esta labor, que, a partir de entonces, quedó en manos de las instituciones públicas o privadas que poseían su obra. Este aspecto de dar a conocer una obra no nos puede parecer baladí, pues sólo se fundamenta la presencia de la obra de un artista para la posteridad a base de realizar actos donde se justifique y se conozca la vida y obra de ese artista. Sin ese apoyo, obras como la del mismo Sempere se van quedando olvidadas poco a poco en ese universo del día a día, de las modas que en arte machacan el arte anterior ante las nuevas demandas del mercado y de las nuevas opiniones de los nuevos críticos que aparecen en el mundo de la cultura. Qué decir de autores que ya pertenecen a sistemas sociales y políticos ya extraños a nuestra realidad más inmediata, como Varela, que hoy tratamos de recuperar, o de Manolo Baeza, Pérez Pizarro o Xavier Soler.Hoy, gracias al esfuerzo conjunto de la familia Chillida y Obra Social Fundación La Caixa, y al Ayuntamiento en promover esta muestra, tenemos la satisfacción de poder contemplar la obra de este autor vinculado con nuestra ciudad, intimo amigo de Sempere, presente en la Colección de Arte siglo XX en La Asegurada, y que marca en nuestro ámbito cultural uno de los pocos e intensos momentos que tenemos de ver buen arte, sobre todo escultura a este nivel. Agradecemos el esfuerzo en promover esta muestra, en tratar de conservar para la posteridad tanto la obra como la imagen de este artista que jugaba con las piedras, el acero, el alabastro, el hormigón, la tierra, para enseñarnos cuál puede ser el destino del ser humano en su más alta reflexión, la obra de Eduardo Chillida.
Empezaremos por la “galápaga”, “La Tortuga de Darwin” de Juan Mayorga (Premio Nacional de Teatro en el 2007) Un texto difícil y un desafío interpretativo para Carmen Machi (Aida en la Tele).
Sus loables esfuerzos no pudieron compensar esa serie continuada de incoherencias disfrazadas de denuncia. A perpetrar esta obra, colaboraron los dos personajes masculinos, que de tan mezquinos y egoístas resultaban increíbles o increíblemente estúpidos. De la muchacha, que creo que era la esposa de uno de ellos no me viene nada a la mente. En fin, esa mujer tortuga y su repaso a las calamidades de la humanidad en el último siglo me impacientó y me crispó. No hace falta ir. Por otra parte, aunque creo que el principal responsable del desaguisado es el autor, recuerdo el texto de “Fedra” que protagoniza Ana Belén y que, escrita también por Juan Mayorga me pareció, dura pero emocionante, no solo no me aburrió sino que me deslumbró. Aquí también hay que dar la responsabilidad al autor, pero sin olvidar a una Ana Belén que nunca lo fue en escena, fue Fedra de principio a fin y de dentro a fuera. Ese personaje me emocionó intensamente. ¡Que asco y que pena me dio! TEATRO CON MAYÚSCULAS
La comedia de la que hablaré a continuación es de esos grupos que programan no una única función, ni dos días, o un fin de semana. Si no la friolera de dos semanas, y con las entradas agotadas al instante. EL TRICICLE, en concreto su última creación GARRICK.
Esta obra esta inspirada en David Garrick, un cómico inglés del XVIII que fue de los primeros en ser conscientes de las cualidades curativas de la risa, parece ser que algunos médicos le enviaban pacientes a sus espectáculos, así que un precursor de la "risoterapia"
A mi, que sigo al TRICICLE desde el principio y que he visto prácticamente todas sus obras de teatro, además de aquella serie de televisión que se ambientaba en un hotel, repito, a mi no me gustó. Tambien es cierto que fui de bastante mal humor, pero creo que no aportaron nada en relación con sus otras obras y me resultaron algo visto, un sueñecito, una cabezadita o un "déjà vu".O quizá me gustó menos de lo que esperaba... las espectativas que se cuelan para contaminar la realidad.
HAY QUE PURGAR A TOTÓ
A continuación copio la crítica del Blog "SOY LO QUE SOY"
"El dramaturgo Georges Feydeau (1862-1921) fue un consumado especialista en un género tan francés como el vodevil y, por tanto, uno de los autores más populares de su tiempo en Francia. Según Henri Bergson, el vodevil es a la vida real lo que el muñeco articulado al hombre que camina, una exageración muy artificial de una cierta rigidez natural de las cosas. Las mejores obras del género, tanto del vodevil como de su continuador, el teatro de bulevar, son comedias ligeras 'bien hechas' y de brillante escritura; aun siendo típicamente burguesas, no ahorran sus críticas, más bien amables, a las costumbres e hipocresías burguesas, y en particular al matrimonio. Todo ello se encuentra en estado puro en Hay que purgar a Totó ( On purge bébé), pieza en un acto estrenada en 1910 (y adaptada al cine por Jean Renoir en 1931), perteneciente a la última etapa de Feydeau. El Teatro Español ha producido un montaje de esta obra, con dirección del francés Georges Lavaudant, que se adapta muy bien al género: es preciso, divertido e intranscendente, no pierde nunca el ritmo y marca la interpretación al compás de la tradición auctóctona del vodevil. Nuria Espert tiene su mérito al atreverse a interpretar un personaje cómico y desgreñado que no va con su edad ni con su trayectoria (pese a lo cual no abandona su característico tonillo). Jordi Bosch y Gonzalo de Castro están estupendos. Pero el verdadero hallazgo es el personaje del niño interpretado por Tomás Pozzi. Con él la función desborda el naturalismo afectado propio del vodevil y alcanza por momentos tonos surrealistas que la acercan a tradiciones más nuestras, como las del humor absurdo y del humor negro."
Hace algún tiempo mi amiga Amparo me recomendó “Seda”. Este cuento largo o esta novela corta me emocionó. Ahora, servidumbres de la industria y el comercio, se estrena la película y yo como quien tiene un tesoro o mejor, como quien atesora un recuerdo, no quería ir a ver esta versión cinematográfica, que me parecía que podía caer en un exceso de ternurismo y sensiblería, concesiones a la productora o todo por la “multisalas” del centro comercial. Pero... Ha sido Mª José, ella me ha obligado, o mejor dicho nuestro acuerdo de elección alterna. Es un buen sistema que te permite entrar en los mundos del otro. Así que tras mi decisión de ir a ver “CASHBACK” le tocaba elegir a ella y tal y como me temía eligió “SEDA".
Las dos pelis son interesantes, muy diferentes pero merecen la pena. Las recomendamos. A continuación añadiré alguna información más: fotos, críticas y datos, pero a ambas hay que ir con calma, son películas donde la acción se desliza ante tus ojos lentamente.Pulsando sobre sus nombres en el párrafo precedente el vínculo nos dirige a una página con datos y crítica.
A nosotros nos gusta el cine del mismo modo que el arroz, casi de cualquier manera, así que estas dos pelis están muy bien. CashBach es un corto premiado transformado en largo y quizá se le nota. En el caso de Seda, Alessandro Baricco y este relato en particular tienen fama de algo cursi, pastelito empalagoso y no te diré que no hay algo de eso... otros dirán que es romántica y emocionante, a mi me parece que le pasa como a la otra: "le sobran 20 minutos" (este es nuestro modo particular de decir que me resultó algo larga, aunque ya lo he dicho en alguna otra ocasión, esto es algo que nos suele pasar a los impacientes)
Lorenz... y no es el etólogo y premio Nobel Konrad Lorenz (Konrad Lorenz fue uno de los fundadores de la etología, una nueva ciencia biológica que estudia el comportamiento animal. La contribución científica más famosa de Konrad Lorenz fue el descubrimiento del "imprintig" o impronta. El "imprinting" es un tipo especial de aprendizaje, rápido y relativamente irreversible, que puede tener lugar sólo durante un periodo de tiempo muy breve. Por ejemplo, los patitos acabados de salir del huevo siguen y se mantienen socialmente unidos al primer objeto móvil que ven, que normalmente es su madre.). Para más información visitar el "Jinete Insomne" de Guillermo Mayr http://eljineteinsomne.blogspot.com/2007/12/konrad-lorenz-el-hombre-que-amaba-los.html
Pero volvamos al Lorenz que nos ocupa, el meteorólogo, sus descubrimientos están en relación con lo que se ha dado en llamar la TEORÍA DEL CAOS. Creo que hace referencia a los sistemas complejos en los que los fenómenos resultan en gran mediada impredecibles. Es un gran avance que rompe, o ayuda a romper el viejo paradigma cartesiano y el marco físico definido por Newton. Junto con la teoría de la relatividad y la física quántica, la "complejidad y el caos" forman parte de los cimientos del nuevo paradigma. Estas ideas como el "Principio de indeterminación" de Heisenberg y el "efecto mariposa" derivado de los estudios sobre el clima de Lorenz, han tenido y siguen teniendo una gran influencia en el trabajo en terapia y educación, psicología y pedagogía y humanidades en general se han visto radicalmente modificadas por estos nuevos enfoques. Creo que más adelante me extenderé en este terreno, pero ahora baste recordar el concepto de "singularidades" de Mony Elkaïn (Terapeuta familiar sistémico), que de forma análoga al efecto mariposa nos indica como pequeñas intervenciones, cambios mínimos en el sistema familiar o en el propio individua, afectan de forma intensa y permiten grandes cambios. La teoría del caos pierde a su creador, el meteorólogo Lorenz • Su 'efecto mariposa', descrito en 1963, es hoy un paradigma de los sistemas complejos • Estudió cómo leves cambios en una posición inicial ofrecen resultados opuestos EL PERIÓDICO BARCELONA "En 1963, el matemático y meteorólogo Edward Lorenz quería describir en unas cuantas ecuaciones el comportamiento de la atmósfera terrestre para predecir el tiempo con exactitud. Así que definió 12 funciones --como el vínculo entre presión y temperatura-- y las introdujo en su primitivo ordenador del Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT) para ver qué ocurría. Lo que sucedió a partir de entonces forma parte de la historia popular de la ciencia: por imprecisión, simplificó el resultado de una operación (0,506127), le qui-tó tres decimales (0,506) y obtuvo dos previsiones meteorológicas totalmente opuestas. Lorenz falleció ayer en Cambridge, cerca de Boston, tras una vida dedicada a la docencia y la investigación, según informó el MIT en una nota necrológica. Tenía 90 años y sufría un cáncer.Lorenz era conocido en todo el mundo por haber definido el anterior proceso, conocido como efecto mariposa: pequeños cambios (o errores de medición) en una posición inicial pueden tener enormes consecuencias en sistemas complejos. Dice un proverbio chino, de donde toma el nombre el proceso, que el aleteo de una mariposa puede sentirse en el otro extremo del mundo, aunque la formulación más conocida del propio Lorenz era una pregunta: ¿el batir de las alas de una mariposa en Brasil puede provocar un tornado en Tejas? Un ejemplo muy claro sería el siguiente: sobre un tejado de dos aguas, izquierda y derecha, lanzamos dos pelotas intentando que caigan justo en la mitad y que luego rueden. El resultado del juego es que imperceptibles cambios en el origen, como el viento o la fuerza usada, motivarán que unas pelotas caigan hacia la izquierda y acaben muy lejos de las que rueden por el alerón de la derecha.El principio en que se apoya la teoría era conocido antes de que Lorenz se hiciera famoso. Sin ir más lejos, Ray Bradbury ilustró en un famoso cuento (El sonido del trueno) lo que podría suceder si unos humanos viajaban hacia atrás en el tiempo, hasta un mundo poblado de dinosaurios, y allí modificaban imperceptiblemente el pasado --mataban una mariposa--: a su regreso, la Tierra se había convertido en un caos.REVOLUCIÓNPero fue Lorenz quien por primera vez analizó el proceso, de enormes repercusiones no solo en el mundo de las matemáticas, sino en la biología y la física. Una de sus conclusiones recuerda que, en meteorología, es imposible prever una situación a largo plazo si se emplean cálculos determinísticos. Debe obrarse de otra manera. "Al mostrar que ciertos sistemas deterministas tienen límites de predictibilidad, puso el último clavo en el ataúd del universo cartesiano y fomentó lo que algunos han llamado la tercera revolución científica del siglo XX, pisándole los talones a la relatividad y la física cuántica", recordó ayer Kerry Emanuel, profesor en el MIT."
¿Otra vez! Estamos de suerte "YLLANAteatre" nos sorprenden y divierten apoyados en un buen nivel técnico musical y el virtuosismo de Ara Malikian. "Ara Malikian es sin duda uno de los más brillantes y expresivos violinistas de su generación. Poseedor de un estilo propio, forjado a partir de sus orígenes y ricas vivencias musicales, su violín se alza como una de las voces más originales e innovadoras del panorama musical. Nacido en Líbano en el seno de una familia armenia, Ara Malikian se inició en el violín a muy temprana edad de la mano de su padre. Dio su primer concierto con 12 años y a los 15 recibió una beca del Gobierno Alemán (DAAD) para cursar estudios en la "HochschulefürMusikundTheaterHannover". Posteriormente amplió sus estudios en la "GuildhallSchoolofMusic & Drama" de Londres, además de recibir lecciones de algunos de los más prestigiosos profesores del mundo como Franco Gulli, RuggieroRicci, IvriGitlis, HermanKrebbers o miembros del AlbanBergQuartett. Una inagotable inquietud musical y humana han llevado a Ara Malikian a profundizar en sus propias raíces armenias y asimilar la música de otras culturas del Medio Oriente (árabe y judía), Centro Europa (gitana y kletzmer), Argentina (tango) y España (flamenco), todo ello dentro de un lenguaje muy personal en el que se dan la mano la fuerza rítmica y emocional de estas músicas con el virtuosismo y la expresividad de la gran tradición clásica europea."(Fragmento extraído del Dossier de prensa)
De Yllana hemos visto algunas otras obras, me viene a la cabeza una que reproducía "sketches" de los MontyPython. Para pasar un buen rato y que el tiempo vuele. Aunque también es verdad que aprovecho para reivindicar espectáculos que tengan una duración adecuada, a menudo hay que enfrentarse a larguísimas películas, obras o conciertos y que cansan más de lo que deben, sobretodo a los ansiosos víctimas de estos tiempos rápidos.
"Yllana es humor. Sin palabras. Desde 1991, la Compañía demuestra cómo hacer el humor sin abrir la boca: su idioma escapa del cuerpo con una energía desenfrenada, un estilo directo que combina ingenio y riesgo con todo tipo de golpes, saltos, gritos, mimo y música, siempre eléctrica. Sus sketches son historietas truculentas de la vida diaria: relaciones humanas, sexo y muerte, con un humor cada vez más negro que se escuda en la ingenuidad de la comedia. Callados pero siempre ruidosos, Yllana acelera el lenguaje de la onomatopeya creando un mundo surrealista y delirante donde todo puede ocurrir. Desde se formación Producciones Yllana han producido once espectáculos: ¡Muu! (1991), Glub, Glub (1994), 666 (1998), Hipo (1999), Rock & Clown (2000), Spingo (2001), Splash! (2002), StarTrip (2003), Los Mejores Sketches de MontyPython (2004), Olimplaff (2004) y La Cantante Calva (2005) que se han presentado en más de 1.500 ocasiones en 29 países y han sido vistos por más de 800.000 espectadores. La pasión de Yllana por la comedia les impulsó a crear el Festival Internacional de Humor que desde 1995 se celebra en Madrid. Por él han pasado cómicos geniales como Leo Bassi, Les Founambules, The Umbilical Brothers...y muchos otros, actuando fundamentalmente en el Teatro Alfil, que Yllana gestiona desde 1996 a través de Producciones La Tapadera, y que han especializado su programación en el teatro cómico en todas sus variantes."http://www.artemad.com/comp_yllana.html
2001: UNA ODISEA DEL ESPACIO Su obra más conocida es 2001: Una odisea espacial, fue una adaptación del relato corto El centinela.
La película de Stanley Kubrik, que se convirtió en un icono y a todos nos tuvo a vueltas con el monolito y el significado de esto o de aquello... Grandiosos efectos especiales que tuve el privilegio de ver en su día. Si aún son buenos y dan el pego, imaginaros en los sesenta. Una pasada.
2001 Una Odisea del Espacio es a la vez, una obra cumbre del cine y del género de Ciencia-Ficción.
Uno de los tripulantes de la Discovery es el supercomputador HAL 9000, convirtiendose gracias a la aparición en esta película, en uno de los personajes no humanos más importantes de la historia del cine, precedido tan solo por Robby el robot de Planeta Prohibido, o María de Metropolis, pero a diferencia de estos, HAL 9000 no es un robot, siendo entonces el primer ordenador que aparece como protagonista principal de una película de ciencia-ficción. Pero no será esta la característica a destacar de HAL 9000, sino el papel que desempeña en la película, el conflicto al que es sometido, y las consecuencias que de el se desprenden y que afectan al resto de tripulantes de la nave. Después de esta película, la presencia de un ordenador central con capacidad de comunicaión oral con (¿el resto de?) la tripulación, se hizo practicamente imprescindible en toda pelicula de ciencia-ficción que se precie.
Prólogo: "Tras cada hombre viviente se encuentran treinta fantasmas, pues tal es la proporción numérica con que los muertos superan a los vivos. Desde el alba de los tiempos , aproximadamente cien mil millones de seres humanos han transitado por el planeta Tierra.Y es en verdad un número interesante , pues por curiosa coincidencia hay aproximadamente cien mil millones de estrellas en nuestro universo local , la Vía Láctea. Así , por cada hombre que jamás ha vivido luce una estrella en ese Universo. Pero , cada una de esas estrellas es un sol , a menudo mucho más brillante y magnífico que la pequeña y cercana a la que denominamos el Sol. Y muchos- quizás la mayoría- de esos soles lejanos tienen planetas circundándolos. Así casi con seguridad hay suelo suficiente en el firmamento para ofrecer a cada miembro de las especies humanas , desde el primer hombre- mono , su propio mundo particular : cielo...o infierno."
Cuentos de la taberna del Ciervo Blanco (1957). Recomiendo tambien este librito de relatos cortos verdaderamente fantásticos, lo leí hace muchos años y creo que ahora volveré a hacerlo. Cita con Rama (1973). Que bien lo pase leyendo esta novelita, ciencia ficción en estado puro, sorprende, inquieta e interesa muchisimo el acercamiento a una civilización extraterrestre de la que, en principio solo puedes deducir sus caracteristicas por la visita a una nave misteriosa.
"El futuro no es ya lo que solía ser". "¡Qué inapropiado llamar Tierra a este planeta, cuando es evidente que debería llamarse Océano!". "Puede que nuestro papel en este planeta no sea alabar a Dios sino crearlo".
"Aún tiene que probarse que la inteligencia tenga algún valor para la supervivencia" "Cualquier tecnología suficientemente avanzada es indistinguible de la magia" "La inteligencia del planeta es constante, y la población sigue aumentando." "Los políticos deberían leer ciencia ficción, no westerns o historias de detectives." "No creo en Dios pero estoy muy interesado en él." "Cualquier profesor que pueda ser sustituido por una máquina, debería ser sustituido por una máquina." "Los microprocesadores se están metiendo en todo. En un futuro cercano no habrá ningún accesorio - salvo una escoba, acaso - que no tenga un procesador dentro". "Lo que hoy ha empezado como novela de ciencia ficción, mañana será terminado como reportaje". "Intelectual: alguien que ha sido educado más allá de su inteligencia". "Aún tiene que probarse que la inteligencia tenga algún valor para la supervivencia". "Ésta es la primera época que ha prestado mucha atención al futuro, lo que no debiera de resultar irónico, ya que tal vez no tengamos ninguno".
Ynés M. Trujillo Vidal/Political Counsellor-Expert in international relations dijo como comentariio en el Blog de Mikel Agirregabiria : Sir Arthur Charles Clark dejó un legado de su capacidad de análisis sin perderse en su propia imaginación. Su acercamiento y fascinación por los cuerpos celestes lo llevó inevitablemente a inclinarse seriamente por el género de la ciencia ficción. Amante del buceo, deporte que -según él- emula a la gravedad cero; por ello, su residencia en Sri Lanka. Visionario nada excéntrico de lo que pueda deparar a este achacoso planeta, lleno de finitud, cotidianamente martirizado por el calentamiento global y amenazado de ataques que ponen hoy al planeta en situación de cuarentena. Una prosa cargada de reflexiones, sesudos juicios, una literatura en clave devela sin ánimo sombrío la exposición de la tierra frente a cuerpos extraños propios de la energía del universo. Un lúcido escapista que compaginó la ciencia con la ficción, un soñador de realidades nada lejanas con una clara mesura a espacios de optimismo. Su convención vocacional hacia el desprendimiento y una avezada madurez le han hecho retratarnos esa interioridad apremiada en sucesos que van más allá de este espacio terrestre y no menos caótico. Sus obras cumbres "2001: Una odisea en el espacio", "Cita con Rama", etc. Leyes de Clarke:"La única manera de descubrir los límites de lo posible es aventurarse hacia lo imposible.""Cualquier tecnología lo suficientemente avanzada es indistinguible de la magia.""Frente a cada experto, existe otro experto igual y opuesto." "Esta es la primera época que ha prestado mucha atención al futuro, lo cual no deja de ser irónico, ya que tal vez no tengamos ninguno."Su filosofía un vínculo estrechísimo y una permisividad adicta y recurrente al vértigo cotidiano; aún con los sobresaltos históricos y políticos de la época que le tocó vivir ha transitado con tanta familiaridad en un cosmos tan lejanamente cercano; siendo partícipe activo y comprometido de esas exploraciones sistemáticas y pertinentes tras una lúcida sublimación y abstracción sospechosamente filial.
Felicidades, con retraso, a todos los amantes del Teatro en su día mundial. Un buena forma de celebrarlo es el disfrute de esta obra que fascina y deleita. El humor, los clásicos, la irreverencia: "esto es muy, muy de vanguardia" Le interesan los místicos: san Juan de la Cruz, santa Teresa de Jesus quien refiriendose a San Pedro de Alcántara dice "extremeño y sin embargo santo"
Tan solo una mesita y un espacio escénico delimitado por la luz. El texto, la voz, los silencios y el regalo de esa biografía personal tan verosímil como probablemente incierta. Gracias
“En un principio ya existía la palabra y en ella había vida y había luz, y ella brilló en las tinieblas; pero las tinieblas no la comprendieron”. Este espectáculo no es sólo un homenaje a los clásicos, a mis lectura preferidas, que me han acompañado y me acompañan allá donde voy; es también un homenaje a mi padre, al hombre que me enseñó el don de la Palabra. Al hombre que me enseñó a amarlas. Creía en la magia de la palabra. Cuando me vio actuar por primera vez, me dijo: cuando actúes da las gracias al público, porque cuando te escuchen serás más humano. “¿y el público será más humano?”, pregunte “Eso ya es cuestión de ellos”. Por eso he creado esta obra como un viaje al pasado de mi infancia, a las tradiciones andaluzas, que tan de cerca viví. A la riqueza de la poesía popular, del cante, de los hablares del pueblo. La riqueza que me ha hecho actor, que me ha hecho hombre. Quiero compartir este acto público pero íntimo con todos ustedes. En Una noche con “EL Brujo” también recito y comento mis lecturas favoritas, una selección de textos de Fray Luis de León, Quevedo, Santa Teresa de Jesús y Cervantes. He escogido estos textos porque cada uno de ellos se relaciona a través de una anécdota personal con un momento concreto y especial de mi vida. Intercalado con la lectura de los textos, explico al público alguna de estas anécdotas con el objeto de disfrutar con él y dar a la lectura un carácter coloquial, distendido y en alguna medida, incluso humanístico. Al cumplirse 25 años en los que he recorrido un sinfín de caminos, subiéndome a cientos de escenarios, me doy cuenta de que cada experiencia es única e irrepetible. Mi especial relación con el público ha ido forjándome y enriqueciéndome de tal manera que el diálogo con él es probablemente mi mayor satisfacción. Este espectáculo es un homenaje, no a mi trabajo, casi siempre deleitoso, sino a ese inmenso número de espectadores que me han entregado y regalado anécdotas y momentos irrepetibles y por los que continúo este camino de escenarios ya que la mirada del público es milagrosa, y allí donde el público mira surge una estrella. Espero que este nuevo trabajo sea una ofrenda gustosa y divertida par todos los que vagamos por este mágico mundo del Teatro. Es ese mi deseo.
"EL SILENCIO ANTES DE BACH" Dirección: Pere Portabella.
País: España. Año: 2007. Duración: 102 min.
Interpretación: Alex Brendemühl (camionero), Féodor Atkine (vendedor de pianos), Christian Brembeck (Johann Sebastian Bach), Daniel Ligorio (F. Mendelssohn), Georg C. Biller (Chomaskantor), Thomanerchor Leipzig, Antonio Serrano, Ferran Ruiz (hijo de Bach), Georgina Cardona (violonchelista), Franz Schuchart (guía), Jaume Melendres (librero).
Guión: Pere Portabella, Carles Santos y Xavier Albertí.
Producción: Pere Portabella.
Fotografía: Tomàs Pladevall.Montaje: Óskar Xabier Gómez.
Dirección artística: Quim Roy.
Vestuario: Montse Figueras.
Cine para "perderse", para rendirse ante la belleza y dejarse llevar, dejarse saltar y volar adelante y atrás en una partitura maravillosa, en un guión expresado en tres idiomas, pero con la urdimbre de la música que te provoca un verdadero acto hipnótico del que lamentas despertar y allí sentadito y sobrecogido miras los títulos de crédito con el secreto deseo de robar alguna referencia para saborear en casa y desde luego con la falsa esperanza de que el tiempo se hubiera detenido y poder seguir allí toda la vida instalado en ésa sensación la que produce la visión, o mejor la escucha del silencio del mundo antes de BACH.
"El guía del HERMITAGE" Emociones y maravillas en esta obra teatral con un Federico Lupi magistral y muy bien acompañado de ana Labordeta y Manuel Callau. Nos gustó mucho.
Basada en hechos reales, "El Guía del Hermitage" retrata los últimos años de Pavel Filipovich, un guía que realizó visitas nocturnas y clandestinas por el afamado museo durante el asedio que vivió la ciudad de Leningrado -actual San Petersburgo-, por parte de los nazis, y que se prolongó cerca de 900 días. Aunque las paredes estaban desnudas, ya que los cuadros fueron puestos a salvo en los montes Urales, las descripciones de Filipovich entrañaban "tal destreza y emoción" que la gente ponía en riesgo su vida cada noche, recorriendo las cloacas y soportando las temperaturas del invierno más frío sufrido por la ciudad en un siglo, para asistir a estas sesiones.
A continuación un fragmento de la obra: PAVEL.- Ejem, ejem, queridos amigos, como parte de la celebración del primer centenario del nacimiento de IIia Repin, el Museo Hermitage tiene el alto honor de presentarles una de sus obras más representativas: “Carta de los zaporogos al Sultán de Turquía”. Como veis es un cuadro enorme para hombres enormes, este cuadro mide dos metros de alto por tres metros y medio de largo. IGOR.- Es grande pero sigo sin ver nada. PAVEL.- Haz un esfuerzo, Igor, aquí lo tienes. Demos primero una mirada general a la escena. Estamos viendo una gran celebración de guerreros, ¿de qué se ríen estos fieros cosacos? Al fondo humea su fortaleza, acaban de defenderla de los turcos a quienes han derrotado. Los indomables zaporogos han luchado con valor y se han apoderado de los poderosos cañones enemigos. Probablemente es el primer fracaso otomano, sin duda es el más estruendoso. Sin embargo la guerra está lejos de haber terminado, desde Estambul el sultán los amenaza con enviar a sus invencibles jenízaros para acabar con ellos. Promete borrarlos del mapa si no se rinden inmediatamente. Lejos de atemorizarse, los zaporogos se envalentonan y deciden enviar una carta al sultán. Mirad, mirad bien, en medio del campo ese hombre de cerquillo con papel y pluma en la mano está escribiendo sobre una tosca mesa lo que le dictan sus rudos compañeros. Viendo las caras alegres y despreocupadas de los zaporogos podemos fácilmente saber lo que están diciendo. IGOR.- ¿Podemos leer la carta? PAVEL.- Pues claro, fíjate en la carcajada del cosaco de pié a la derecha de la mesa. IGOR.- Hay varios. PAVEL.- Fíjate en el más alto,aquel que lleva ese gorro blanco y exhibe su enorme pecho y voluminoso vientre. IGOR.- ¿El que sostiene su barriga con las dos manos? PAVEL.- Ese mismo. Ahora fíjate en el que está a su izquierda. Mira que más que cosaco parece tártaro. Bueno, ese ya no puede más de la risa, le falta la respiración. Está al borde del colapso. SONIA.- La verdad es que todos tienen una risa contagiosa. ¿Qué más, Pavel, qué más? Sigue, sigue. PAVEL.- Bueno, veamos al del centro, ese que está encima del escribiente. Por su traje sabemos que es uno de los jefes, sujeta la pipa en la boca, no se ríe, pero podemos asegurar que su mente está a kilómetros de distancia. Está imaginándose la cara del orgulloso sultán cuando lea que los zaporogos lo mandan olímpicamente a la mierda. IGOR.- Ese otro le dice al sultán que cortarán los cojones a todos los jenízaros que se atreva a enviar. SONIA.- Y que si sigue fastidiando ellos irán a Estambul para sacarlo a patada limpia de su harén. PAVEL.- Y lo castrarán y lo mandarán como eunuco a la corte de zar de Rusia. SONIA.- Miren a ese que está morado de risa. IGOR.- Ese acaba de dictar al escribiente que le diga al sultán que si no quiere que los cosacos invadan Turquía que mande a sus hermanitas. Sí, que mande a sus hermanitas..
TEATRO:La programación del Teatro Principal de Alicante, casi siempre convencional y populista, ofrece sin embargo, solo de vez en cuando, estas joyas preciosas. Desde luego que el Teatro es una experiencia bastante extrema: puede aburrir casi mortalmente o emocionar, divertir, excitar y entretener muy intensamente.
TORNASOL 102
"Un colibrí nos visita cada mañana en el patio. Aparece y desaparece como una ilusión volátil, de flor en flor, de rincón en rincón.
"Un colibrí nos visita cada mañana en el patio. Aparece y desaparece como una ilusión volátil, de flor en flor, de rincón en rincón.
